人工智能“作品”，著作权谁属
原标题：人工智能“作品”，著作权谁属树影压在秋天的报纸上/中间隔着一片梦幻的海洋/我凝视着一池湖水的天空……
这么优美的诗句不是出自哪个诗人之手，而是来自人工智能――微软“小冰”。2017年5月，“小冰”创作的诗集《阳光失了玻璃窗》正式出版，这部诗集是“小冰”在学习了519位诗人的现代诗、训练超过10000次后创作完成的。
除了微软“小冰”，其他公司也开发了众多人工智能产品用于创作各类文学和艺术“作品”。例如，谷歌开发的人工智能DeepDream可以生成绘画，且所生成的画作已经成功拍卖；腾讯开发的DreamWriter机器人可以根据算法自动生成新闻稿件，并及时推送给用户。这些由人工智能创作的成果从外观形式来看，与人类创作的成果没有任何区别，而且也很难被察觉并非由人类所作。可以说，与以往技术创新相比，人工智能技术对著作权法提出的挑战是最根本，也是最全面的――
一是人工智能的主体资格问题。根据我国著作权法的规定，作者包括自然人作者以及法人作者；前者是指创作作品的公民，后者是指作品在由法人主持，代表法人意志创作，并由法人承担责任时，将法人视为作者。要承认人工智能是作者，事实上也就意味着要在著作权法上创设一种新的独立法律主体，这将遇到极大的法律和伦理障碍，在相当长的一段时间内恐怕都难以实现。
二是人工智能生成物的作品资格问题。著作权法基本理论认为：作品应当是人类的智力成果，也只有人的智力活动才能被称为创作。在人工智能生成物的著作权问题引起广泛关注之前，法学界曾讨论过动物产生的内容可否构成作品的问题。例如：在美国，一只黑猕猴使用摄影师的相机拍摄了几张自拍照，其著作权问题甚至引发了两起诉讼。为此，美国版权局还专门发布相关文件，强调只有人类创作的作品才受保护。有学者认为，人工智能生成物并非人类作者的智力成果，因此不构成作品。也有学者认为，人工智能生成物是由人类作者设计的作品生成软件产生的成果，实际上是人机合作的智力成果，并没有违背著作权法的人格主义基础。
三是人工智能生成物的权利归属问题。目前提出的方案主要有3种。第一种方案是承认人工智能生成物是作品，但是不给予保护，将其投入公有领域。主要理由是著作权法的立法目的在于鼓励作品的创作和传播，而机器无须激励。第二种方案是创设一种新的邻接权制度，以区分人工智能生成的作品与人类创作的作品。第三种方案是在现行著作权法框架下，通过法律解释的方式作出适当的法律安排。至于是将著作权归属于人工智能的所有者、研发者还是使用者，意见尚未统一。
四是人工智能生成物的侵权问题。人工智能在进行“机器学习”过程中，需要使用大量已有作品。例如，“小冰”是在学习了众多现代诗之后创作的诗集，其中必然会有一些作品仍然处于著作权保护期内。那么，在未经作者授权的情况下，对其作品进行商业性利用是否构成侵权？普遍观点认为，为了促进人工智能发展，应当将“机器学习”过程中使用他人作品的行为作为例外处理。
对于上述问题的争论，以往都处于纯理论层面。让人振奋的是，在今年4月26日世界知识产权日当天，北京互联网法院对国内首例人工智能作品争议案作出了一审判决，为理论探讨提供了新鲜的实践素材。
对于主体资格问题，北京互联网法院认为，尽管随着科学技术的发展，人工智能生成物在内容、形态，甚至表达方式上日趋接近自然人，但根据现实的科技及产业发展水平，尚不宜在法律主体方面予以突破。就人工智能生成物可否构成作品问题，法院强调指出：虽然由人工智能生成的分析报告具有独创性，但是自然人创作仍应是作品的必要条件。在该案中，分析报告既不是由人工智能的研发者（所有者）创作，因为其并未输入关键词来启动程序；也不是人工智能的使用者创作，因为该报告并未传递其思想、感情。分析报告是人工智能利用输入的关键词与算法、规则和模板结合形成的，应当被认定为是由人工智能“创作”的。然而，构成作品的前提条件必须是自然人创作，因此，该分析报告不是著作权法意义上的作品。不过，法院也认为，应给予人工智能生成物以一定的法律保护，因为其具备传播价值。
笔者认为，对于人工智能生成物的著作权定性这一极具争议的问题，作为社会稳定器的法院采取相对保守、平衡的立场，是合适的。需要指出的是，如果人工智能生成物不被承认是作品，相关主体出于利益最大化的考量，很有可能会采取隐瞒相关成果是人工智能创作的事实，因为从外观形式上无法区分文学艺术作品究竟是人类还是人工智能创作。
有关人工智能生成物的著作权问题，有的国家已积累了一些经验。英国《1988年版权、外观设计和专利法案》规定，对于计算机生成的文字、戏剧、音乐或艺术作品而言，作者应是对该作品的创作进行必要安排的人。对计算机生成作品进行“必要安排”的人，可能包括人工智能的投资者、程序员、使用者，也可能是上述主体共同构成。因此该条款具有一定的开放性，赋予了法院较大的自由裁量权。
从历史来看，知识产权法领域一些重大的理论突破与制度创新，都是通过法院经由个案，通过不同观点的交锋、碰撞，甚至结论“反转”，最终达成共识来推动的。笔者相信，人工智能生成物的法律性质问题也将如此。未来，将有更多相关争议进入法院，让业界有更多的机会展开讨论，毕竟“真理越辩越明”。
（作者：万勇，系中国人民大学法学院教授）
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莫奈最出名的16张名画
来源：视觉艺术
莫奈（ClaudeMonet，1840年11月14日－1926年12月5日），法国画家，被誉为“印象派领导者”，是印象派代表人物和创始人之一。他一生遗留500件素描，2000多幅油画及2700封信件。足迹由巴黎大街到地中海岸，从法国到伦敦、威尼斯、挪威，在各地旅行写生，留下无数的作品。
25岁的莫奈在舍依曾画过一幅长20尺的巨作《草地上的午餐》（4.5×6米）。那时库尔贝也在舍依作画，他很喜欢莫奈，常来看他并给《草地上的午餐》提修改意见。此画完成后，莫奈十分后悔听了库尔贝的意见，对作品很不满，决定不送沙龙展出。在离开舍依时因缴不起房租而将此画作抵押，可惜因房屋潮湿，这幅巨作被损毁了。今天我们所看到的这幅《草地上的午餐》，实际上是莫奈为了完成巨幅油画所创作的一幅“草稿”，但即使“草稿”，它仍然有1.3米高，1.8米宽。在这幅画中从题材和构图来看肯定是受马奈的《草地上的午餐》一画启发而作，也可能是想和马奈一比高下。
1865年，莫奈初识卡美伊，请她做自己当时正在筹划的一幅巨型油画《草地上的午餐》中的模特。画面中左侧第一个侧身的女性就是以卡美伊为模特来绘制的。
这幅画是在户外完成的，因此和马奈的《草地上的午餐》比较，在描绘外光的生动和景物的真实自然方面，确有过之。画中阳光透过林木洒在人物身上和地面景物上，透明灿烂，令人耳目一新。
莫奈运用印象派的光影手法，描绘了草地上消闲的绅士淑女。画家以幽暗的树荫为背景，衬托着前景白布上的男人、女人及食品，体现了夏日消闲的假日午餐。后面的一对情侣正要起身离去，一片片绿叶在强烈的阳光照耀下，显得异常透亮，不仅点明夏天的炎热季节，也增添了画面的颜色。景物、人物都描绘得十分鲜明动人。外光的运用，给画面带来了色彩斑斓与清新爽朗的效果。
莫奈1865年的《草地上的午餐》，是向马奈1863年同名作致敬。他为了如实描绘光影效果，在地上挖了大坑，在坑内进行创作。本作虽然对人物有精确描绘，但真正出彩却是背景的树叶，它们在逆光下呈现出透明的绿色，由黄绿到深绿色彩层次极其丰富，莫奈解释说这画中每一片树叶对他来说都是模特的脸。
日出·印象法国莫奈布上油画纵48×横63厘米巴黎马蒙达博物馆藏
此画是莫奈描绘勒·阿弗尔港口的景象：海水在晨曦的笼罩下，呈现出橙黄或淡紫色。天空的微红被各种色块所渲染，水的波浪由厚薄、长短不一的笔触组成。三只小船在薄涂的色点组成的雾气中显得模糊不清。船上的人与物依稀能够辨别，还能感到船似在摇曳缓进。远处的工厂烟囱、大船上的吊车……这一切，是画家从一个窗口看出去画成的。莫奈以轻快而跳跃的笔触，表现出水光相映，烟波渺渺的印象。
莫奈画过许多水题材的画，最具世界声誉的是这幅描绘旭日初升、雾气迷蒙港口的画。画家所描绘的是勒阿弗尔港口的一个多雾的早晨。经过晨雾折射过的红日，形成了一个感觉上的灰绿色的世界，这个世界是真实的，又是幻觉的，它每时每刻随着太阳光而变化着，画家运用神奇的画笔将这瞬间的印象永驻在画布上，使它成为永恒。这幅画于1874年4月15日第一届“独立派”画展中展出，《喧噪》杂志记者勒鲁瓦，以这幅画题写一篇评论文章，“印象派”由此而得名。莫奈热爱大自然，广袤的田野、潺潺的流水、变化无穷的天空都是他绘画对象。
睡莲法国莫奈布上油画纵89×横92厘米丹佛美术馆藏
43岁的莫奈在吉维尼定居后，在庭院里修了一个池塘，在池塘里繁殖了睡莲，成为他晚年描绘的主要对象。这幅《睡莲》是莫奈64岁时所作的早期小幅作品。
莫奈晚年最重要的一件作品是连作《睡莲》。这是一部宏伟史诗，是他一生中最辉煌灿烂的“第九交响乐”。1880年之后，莫奈与印象派的其他画家们疏远了，他在吉维尼造了一座小花园，住在里面作画。他喜欢把水与空气和某种具有意境的情调结合起来，这样产生了《睡莲》组画。沿着水面，美丽的睡莲一片片向湖面远处扩展开来，画家利用了树的倒影，衬托出花朵的层次，是十分有创造性的构思。莫奈把整个身心都投在这个池塘和他的睡莲上面了，睡莲成了他晚年描绘的主题。此后27年里，他几乎再也没有离开过这个主题。
韦特伊莫奈花园
《穿日本和服的卡美伊》这幅作品，和莫奈以往甚至以后的诸多作品相比较，风格是独特乃至迥异的。莫奈的印象派风景画，以户外自然光线下的色彩变化为其主要追求效果，因此有人称其为“外光画派”，而这一幅《穿日本和服的卡美伊·莫奈》显然是在室内完成的，整幅画上可靠的光源，主要来自右侧的窗子，缺少以往户外直射的阳光。其二，一般来说，由于非直射光线的缘故，室内画的颜色更多偏向中性一些，而这一幅画的颜色却异常浓重、猛烈，说明这是画家要刻意追求的效果。第三，和莫奈以往不关注作品的细节处理不同，这幅画对人物、对衣服的花纹，甚至包括对背景中团扇上花纹等等细节的处理都很细致，这也和莫奈以往的风格也不相符合。第四，也是更重要的一点，这幅画所处理的异域风格主题，放在莫奈的整个作画传统中，都是比较突兀的。和服、日本团扇、折扇、榻榻米、浮世绘歌姬、能剧鬼脸等等日本元素，构成了这幅画主要的内容。
《撑阳伞的女子》是莫奈画于1886年悼念亡妻卡美伊的作品。人物形象很模糊，连五官和表情都看不见，但随着笔触堆叠的方向，可以感受到草原上吹拂的微风和女子丝巾上跃动的阳光。卡美伊因病死于1879年，时年37岁，莫奈在同年画下了《临终的卡美伊》，画中以忧郁的色调、纷乱的笔法，传达出失去爱妻的悲伤。但我总觉得，莫奈爱画胜过爱自己的女人。他曾经这样描述他作此画时的感受：“在我最亲爱的女人的病床前，我发现自己很本能地在这张木然的脸上逡巡，寻找死亡带来的色彩，观察颜色的分布和层次变化我已经主动迎接色彩的冲撞了。”妻子死亡时，他竟还能如此冷静地解构、分析。
冬天的国会大厦
从沼泽地观望厄普特河岸边的白杨树
莫奈视线中的情景是纯真而自然的，表达的是内心真实的感受；他笔下的物象的交融，体现了万物皆有灵气，即使一树一石亦不乏生气，一点一线皆可贯注人之生命运动。总之，画为心迹，莫奈追求的是一种本色美、自然美的艺术意境，是一种从欣赏美到认识美、最后超越美的境界。
象鼻山西边的象鼻子（埃特尔塔的悬崖）
这幅画又名《埃特尔塔的悬崖》，艾特塔特石灰断崖矗立在诺曼底海岸上，因为其形象的高大奇特而被十八世纪的许多画家表现于画布之。在众多关于此景的油画作品中，以印象派画家莫奈的《埃特尔塔的悬崖》最为著名。
从构图上看，这是一个横幅作品，庞大的拱形悬崖占据了画幅的左上方三分之二的宽度，左侧岩壁沿着画布的左端被垂直切断。悬崖因此显出奇异的、巨大的视觉冲击力和鲜明的崇高感。
从色彩塑造方法上看，画家用写意的笔法表现天空和海的远景形象，用写实的笔法表现悬崖的背面和海的近景形象。以衬托出悬崖背光面和近景海面的有力的实景。
画家选取了景物的背光面来表现景物，显示了它的色彩表现功力。在大面积冷调子的背光面里，色彩丰富而厚重，笔法整飭而严谨，给人以凝重而沉积的感觉，欣赏时需屏息而敛神。在此背景的反衬下，日光直射的悬崖色彩温暖而热烈。阳光中的景物和近景海面波浪用笔粗犷、跳跃，充满激情，与严谨的天空和背光悬崖的表达方法形成鲜明对比。这一部分的表现使整个画面形象丰富生动，色彩丰富而富于美感。
花园里的女人们
《绿衣女子》的意外成功，使得年轻的莫奈雄心勃勃，决心绘制另外一幅大型油画《花园里的女子》（2.55×2.05米），在这幅画中，三位女子的形象都是以卡美伊为模特完成的。据说为了绘制这幅油画，莫奈在花园里挖了一条壕沟，将巨幅画板竖在壕沟里，然后自己站在壕沟的边沿上挥笔作画，足见规模浩大。不过可惜的是，莫奈的这幅画作并没有被当时的年度官方沙龙画展所采纳，其原因今天的我们实难理解。
1866年莫奈创作了《花园里的女人们》，这件作品是这个时期中最为重要的一件。创作是在租来的房子的庭院里进行的。由于画幅很大，为了便于挥笔，他在庭院中挖了一个地沟，把画布降了下去。画面上的4个女人，都由一位模特儿充任，因此要不断改变她的装束、发型、姿态，画家需事先分别画出草图，然后再组合到一起。这位模特儿就是1864—1865年与莫奈邂逅的卡美伊（后来的莫奈夫人）。
为了尽可能在相同的日照下作画，有时画家不得不停下来等待时机。为了突出四位美丽的浅色着装女性，使之更显华丽，画面上使用了大量的浓绿色，尤其是眼前坐在地上展开白色裙子、手持遮阳伞的女人，在她的身上既有林间射入的阳光，又有树木的阴影，的确是真实的再现。作品虽然相当的新颖，但未被1867年的沙龙选中。
“穿绿衣的女子（卡美伊）”是在画室里完成的人物画；“圣·热尔梅娜·欧泽华教堂”是在外光下画成的风景画。《花园里的女人们》一画把这两种观察方法结合起来了。这里的画面基本上是根据一幅照片安排的，这说明莫奈并不介意使构图服从了自然景物的偶然性。照片本来也该使莫奈想到空间的深远效果的，然而，莫奈对此也并未介意。使他感兴趣的仅仅是平面和色彩对比而已。正因为这幅画的人物没有立体感和起伏，色彩才能在这里大放其光彩和充分显示其多样性。妇女衣裙上的花饰，草坪上的鲜花，突出在大片浓绿之中的叶子，从树叶的空隙之间透露出来的天空，穿透阴影的光线，这一切造成了一幅色彩妍丽的镶嵌画的效果。但这幅油画缺乏色调效果：光线和阴影落在了人物所占据的同一个平面上，因此，光线不能渗透人体，不能成为形的实体。大片固有色起了过多的作用。所有这些合在一起，与其说是真实表现了所见的事物，不如说是一种公式，但这种公式正是一个空前大胆的纲领。这一纲领的公式化一旦消失，光线便将渗入中间调子，生命也将渗透每一个笔触，而整体的统一也就将要形成，那时，艺术就会变得花团锦簇，印象主义就要完全成熟了。
海滨公园打伞的女子(卡美伊)
这幅画构图偏上，左侧的小男孩与打伞的妇女形成了一个三角构图，起到平衡画面的作用。以绿，蓝，褐为主色调，色彩清新明快，人物的衣服颜色与背景统一，看不到明确的阴影与轮廓线，笔触大胆随意，裙摆与草的走向充满动感。
整个画面给人的感觉是朦胧的梦中场景，作者用大小比例及覆盖遮挡的方法巧妙的区分了妇女，小孩，天空的空间关系，表达的很到位。他已很好地捕捉光影和画中的瞬间印象感觉。画中女人面部和上半身都用上较暗的色彩，表明是处于阳伞的阴影之下，而整个阳伞、面部、衣裙和草地上的阴影区，与女人衣裙上向光一面的光影形成对比（小儿子方面也一样），女人摆动的头巾和长裙上的绉褶也加强了画面的动感。
莫奈比任何画家更着重于捕捉一瞬即逝的景象，并不注意物体本身的轮廓。他说：“光是画中的主角。”他又描述如何努力去画“空气的美……但这是不可能的.”莫奈毕生致力绘画那些不能画的东西，这幅画里天空中有浮云掠过，我们几乎可以感觉到那吹送浮云的微风。
1875年，这一幅画作，实际上是莫奈所有关于卡美伊的画作中最广为人知的一幅。当时的莫奈，大概也处在人生最“惬意”的时候，娇妻幼子，年富力强，事业虽算不上成功，但一直在朝着非常有希望的方向前行，生活虽然不富足，但是压力也没有很大，所以这一时期莫奈的画作无一例外都满是阳光、鲜花，生气和活力。事物的发展，似乎总喜欢和大家开开玩笑，今天，你的生活一帆风顺，你大概会觉得，也许能一直这样下去，可是突然间就有了变化，出现坎坷倒不说，痛苦的是有时候往往会一下子变得很惨。谁又能想到，画面中这位阳光灿烂的年轻女子，仅仅四年后，会突然因为疾病失掉了生命，命运就是喜欢这样折磨人。所以说，作为芸芸众生中最微不足道的一个，我们每个人或者都应该更多一些忧患意识，当你觉得幸福、甚至平淡的时候，多想想人生中可能会出现的坎坷与不幸，也许你对当下的幸福感受就会更深一些。说是这样说，可谁又真能当着春天的迷醉时，想得起及时挪走梯子，从而把春风留在人生的房顶呢？
冬季早晨时的干草堆
印象派认为真实是转瞬即逝的视觉印象,冲破了以往的绘画成见,直接用色彩来表达视觉。《干草堆》用的就是莫奈所擅长的纯色色点并置的技术，使观者获得色彩混合和震荡的独特的视觉感受.《干草堆》是莫奈的主题绘画系列之一，它记录了干草堆在一天不同时间光照下的色彩变化.印象派画家强调瞬间的视觉印象,其绘画表现的是一瞥的印象,一反以往那种追求精确逼真的绘画观念。倘若想在印象派绘画中寻找逼真的一面,那么就要远看。但印象派绘画吸引人的正是它的朦胧和色彩变化的微妙。干草堆，它的光影效果做的非常漂亮，实际上它是一个色彩印象，乍看上去，这仿佛是一个五岁小孩儿的信笔涂鸦。没有细部.不代表那真的是涂鸦！莫奈不只满足于能够画他所看到的事物和按照他所看见的那种方式来做画；他想要创造一种独特的效果，达到一种在绘画上似乎是不可能达到的目的。
其实《干草堆》这一主题早在1888年时就已被想到。这种景物只有秋季才有。于是他从秋天一直画到翌年初春，不断观察其光的变化。前后一共画了24幅。既有单幅的，也有成组的。角度也都不同，表现在不同时辰和不同光线的变化下的草垛形象。画面看似单调，面对几堆干草堆，画家却产生了深厚的色彩感情。开始他以为用两块画布去画这堆干草堆就可以了，一块阴天用，一块晴天用。可是，由于光线在草垛上不断变化，他不得不一次又一次地回家取新的画布。他之所以如此热中于这个物体上的光的变化，用他自己的话来说，是要记录“某一特定自然景色的真实印象，而不是出去描绘一幅笼统性的风景画。“从莫奈画《干草堆》，看出了印象派画家的整个作画灵感的源泉，即光色的变幻激发了他的艺术热情。他曾对友人写信说：“太阳落下得那么快，我追不上它。”
这幅画的主角不是山，不是田野，甚至不是干草堆，而是那些灿烂明亮的光芒。作为印象派创始人的克洛德-莫奈，特别喜欢画光，甚至是终其一生都在找体现光之美、空气之美的方法。莫奈比任何画家都喜欢捕捉一瞬即逝的景象，然后用神奇的画笔记载下来。就像这幅画《干草堆》。在阳光照射过来的那一刹那，天、山、屋、草垛都是什么样的？默奈通过自己细致地观察，画下的这些物体的变化。他并不注意物体本身的轮廓，因为光是主角。
威尼斯大运河
这是莫奈发挥印象派技法表现水城威尼斯梦幻迷朦流光倒影的经典之作。
海浪
莫奈表现法国海岸浪潮波涛的层叠翻滚和变换，色彩和动感强烈，同时和上空漂浮的云彩形成了“浓妆淡抹”和“动静结合”的对比。
圣拉扎尔火车站
绘于1877年的“圣拉扎尔火车站”是一幅表现巴黎火车站的画，这是一个日常生活场面的实际“印象”。莫奈神往于光线穿过玻璃顶棚射向蒸气烟云的效果，神往于从混沌之中显现出来的机车和车厢的形状。莫奈相信光线和空气的神奇效果是最为重要的，他巧妙的平衡了画面的调子和色彩，这幅画出色的表现了力量、空间、对比和运动。
每一个研究莫奈创作活动发展的人都会发现，如果说最初的命运促成了莫奈的发展趋势，那么后来就是他自己创造了他的命运。之所以莫奈成为“印象主义”风格奠基人、被他的朋友公认为“班首”，是因为莫奈不可动摇的坚强意志。从所周知，印象主义意味着感觉和观察方式的变革，它不仅改变了绘画，而且改变了雕塑、音乐、文学，就是到了今天，它也没有失去影响力，仍然改变着我们。
日本桥
一座漆成绿色的日本式的拱形木桥跨越池塘；水菖蒲、百子莲、杜鹃花科的观赏植物和绣球花环绕并保护着池塘。水面上漂浮着粉红色的睡莲。柳树和紫藤直泻水面，使水的色调变得更深、更蓝。直到1895年，莫奈才画了第一张池塘和日本桥的画。从1898年起，他又画了些同一题材不同版本的方形的画，其中十来幅曾在杜朗-卢埃尔画廊举办的他的新作展中展出。
世界上最负盛名的49幅西方绘画作品！
3.达芬奇《最后的晚餐》
画面中的人物，以惊恐、愤怒、怀疑、剖白等神态，以及手势、眼神和行为，都刻画得精细入微，惟妙惟肖。
4.拉斐尔《西斯廷圣母》
《西斯廷圣母》为拉斐尔"圣母像"中的代表作，它以甜美、悠然的抒情风格而闻名遐迩。画中表现圣母抱着圣子从云端降下，两边帷幕旁画有一男一女，身穿金色锦袍的教皇西斯廷二世向圣母、圣子做出欢迎的姿态。
5.德拉克罗瓦《自由引导人民》
《自由引导人民》取材于1830年七月革命事件。一位名叫克拉拉·莱辛的姑娘在街垒上一手举起了象征法兰西共和国的三色旗，一手提枪，奋勇当先，期待着自由的来临。
6.伦勃朗《浪子回头》
画面表现的石老人的小儿子，索求家产，远走他乡，放浪形骸，迷途知返，最终回到家中，父子相遇的一刻。
7.戈雅《1808年5月3日枪杀马德里抵抗者》
《1808年5月3日枪杀马德里抵抗者》是抗议民族压迫、控诉侵略战争残暴的最有力的作品之一。
8.扬·弗美尔《戴珍珠耳环的少女》
柔和的衣服线条、耳环的明暗变化，尤其是女子侧身回首、欲言又止、似笑还嗔的回眸，与画龙点睛的珍珠耳环，浮刻在深色背景之中，唯《蒙娜丽莎》的微笑可与之媲美。
9.克里姆特《吻》
《吻》中的女人双眼闭合，娇柔地依偎在男子的怀中，仿佛正沉浸于爱情的兴奋喜悦中，流苏状的飘坠装饰条在女人身下如瀑布水帘般摆动，覆盖了画布下方花团锦簇的类似河岸的斜坡，这是这幅爱侣拥吻场景中唯一的现实事物意象。
10.安格尔《大宫女》
画中女子的打扮并不是一个典型的西方人，她包着土耳其头巾，手拿孔雀羽扇，就连衬景的绸缎也散发着异国的光彩。
11.约翰·埃·密莱《盲女》
画上是一幕雨过天晴的自然景色，景物比较开阔，色彩舒人心脾。在前景上画了两个相依为命的穷女孩。其中一个是盲女，另一个更小的女孩紧紧依偎在盲女怀里，一边抬头在观看天上的彩虹，一边在给盲女讲解她所无法领受到的大自然的美丽。
12.席勒《自画像》
画面构图和用色纯净明朗，富有精神和灵性的特征。
13.苏里柯夫《近卫军临刑的早晨》
《近卫军临刑的早晨》就是一幅充分体现苏里柯夫历史画艺术成就的代表作。占据画面绝大部分空间的是近卫军战士，他们临危不惧，英勇不屈，与前来诀别的家属、围观群众交织在一起，增添了事件的悲剧色彩。
14.毕加索《老吉他手》
画作中一个年老而贫穷的吉他手，他那清瘦般的手指放在一把西班牙吉他弦上，虽然面容枯槁、身体无力，他却流露出如痴如醉的表情，这使他看起来甚至有了一种高贵的气质……
15.米勒的代表作《拾穗者》
在这幅画中，米勒采用横向构图描绘了三个正在弯着腰,低着头，在收割过的麦田里拾剩落的麦穗的妇女形象，她们穿着粗布衣裙和沉重的旧鞋子，在她们身后是一望无际的麦田，天空和隐约可见的劳动场面。
16.雷诺阿《红磨坊的舞会》
《红磨坊街的舞会》表现了热情洋溢的生活，画面人头攒动，热闹非凡，画中人只有前面的几位眉目清晰，而远处的人流则渐渐隐没在欢乐的气息当中，人物由近及远，光影迷离的画面，既渲染了舞会的气氛，也呈现了丰富的节奏感。
17.让·莱昂·热罗姆《拍卖奴隶》
这是一个西方艺术家眼中的东方场景。画作中可以看出，热罗姆是怀着同情与怜悯之心创作这件作品的，表明了他的良知与对奴隶制的不满。
18.毕沙罗《蒙马特大街冬天的早晨》
《蒙马特大街冬天的早晨》画于1897年，整幅画视角宽广、构图宏伟、透视准确。画中车马人流很小，粗笔带来，却仿佛在画中移动、生动形象。
19.莫奈《日出·印象》
《日出·印象》描绘的是在晨雾笼罩中日出时港口景象。
20.巴斯蒂昂·勒帕热《垛草》
画面上，一对农民夫妇在午饭期间只能在村边田野的树荫下休息，男子满脚淤泥，身体枯瘦，唤起了人们对遥远的十九世纪法兰西农民生活命运的无限同情。
21.雷诺阿《游艇上的午餐》
《游艇上的午餐》被认为是世界上最负盛名的艺术作品之一。作品中的许多人物都是雷诺阿的朋友，画面甜美明丽，以一种空前的新鲜生动和自然的面貌一扫学院派的沉闷和严谨。
22.列宾《意外归来》
这幅作品没有直接表现革命者的英雄行为，也不描写革命者意外归来与家人团聚时通常会有的惊喜、拥抱等热烈场面；而是抓住一个富有戏剧性的瞬间，让人思考、联想革命者的经历和遭遇，以及家人为此付出的代价。
23.梵高《自画像》
画作《自画像》是画家梵高许多自画像中的其中一幅。从这幅油画中，我们看到了画家的忧郁，但却充满了倔强。
24.克拉姆斯柯《无名女郎》
这是一幅颇具美学价值的性格肖像画，画家以精湛的技艺表现出对象的精神气质。画中的无名女郎高傲而又自尊，她穿戴着俄国上流社会豪华的服饰，坐在华贵的敞蓬马车上，背景是圣彼得堡著名的亚历山大剧院。
25.梵高《麦田》
画面中每一笔触中的动力使所有物体在色彩之外更表现出机灵的动作，这画面的色彩较莫奈的河流来得简单，强烈、活泼但不失其自然。
26.修拉《大碗岛的星期天下午》
《大碗岛的星期天下午》是新印象主义典型的代表作，也是一幅在世界美术史上具有纪念碑式意义的油画作品。
27.居斯塔夫·库尔贝《筛麦妇》
画家重点描绘了跪着筛麦的女子形象，从她圆润的手臂、丰满健壮的背影，可以想象这是一位健康美丽的农村姑娘，她那优美的姿态，给人以健美的感觉，展示了劳动妇女的形象。
28.梵高《十五朵向日葵》
画作中向日葵简单的插在花瓶中，呈现出令人心弦震荡的灿烂辉煌。
29.梵高《乌鸦群飞的麦田》
这幅画上仍然有着人们熟悉的梵高特有的金黄色，但它却充满不安和阴郁感，乌云密布的沉沉蓝天，死死压住金黄色的麦田，沉重得叫人透不过气来，空气似乎也凝固了，一群凌乱低飞的乌鸦、波动起伏的地平线和狂暴跳动的激荡笔触更增加了压迫感、反抗感和不安感。
30.马奈《吹短笛的少年》
画中的吹笛少年以右脚为重心站立，左腿向外伸展，上身自然向左倾斜，手指在乐器的孔洞上按压，悠扬的音符流泻而出，脸上神情专注，谨慎的演出。
31.莫奈《撑阳伞的女人》
莫奈的《撑阳伞的女人》以妻子卡美伊为模特儿，共画了三幅，以这一幅最为成功，场景更有戏剧性，描绘出人物的奔放感，笔触也更为大派。
32.毕加索《梦》
《梦》整体色调鲜明，用笔直接，线条使用较多，充分表现女人身体线条。是毕加索中期比较重要的作品之一。
33.维米尔《倒牛奶的女仆》
《倒牛奶的女仆》画面并不复杂，轮廓清晰，环境朴素，把一个简朴的厨房画得很有感情，甚至令人产生怀旧心理，展示了那个时代人民普遍的精神面貌和心理特征。
34.门采尔《腓特烈听桑索西长笛音乐会》
幻妙的音乐，精致的灯盏，婉转的长笛，闪烁的烛光，每一种物象的和谐构置复原了一幅展现上层社会风貌的画面。
35.列维坦《白桦丛》
这幅画描绘阳光照在桦树林中的光感和空气感，具有鲜明的印象派画风。给人以宁静、温馨感。
36.梵高《星空》
这幅画，展现了一个高度夸张变形与充满强烈震撼力的星空景象。
37.列宾《伏尔加河上的纤夫》
画中列宾画了十一个饱经风霜的劳动者，他们在炎热的河畔沙滩上艰难的拉着纤绳。背景运用的颜色昏暗迷蒙，空间空旷奇特，给人以惆怅、孤苦、无助之感，切实深入到纤夫的心灵深处，亦是画家心境的真实写照，这对画旨的体现，情感的的烘托起了极大的作用。
38.马奈代表作《福利·贝热尔的吧台》
这幅画是马奈最后一次刻画了他所熟悉和喜欢的巴黎喧嚣和豪华的生活。画家特意利用了大块的玻璃镜作为背景，以琳琅满目的酒瓶、玻璃杯作为背景，使画面变化丰富而生动，好似观者自己正站在台前。
39.委拉斯凯兹《宫娥》
《宫娥》是委拉斯凯兹晚期的一件重要作品，描绘了宫廷里的日常生活，是一幅有着风俗性特色的宫廷生活画。
40.鲁本斯《肖像》
这幅肖像人物油画是用漂亮和生动的色彩笔触来描绘的，线条十分流畅。从这幅肖像上，观众可以感觉到这位画家所寄托的那种与禁欲主义完全绝缘的生活热情。
41.德加《女芭蕾演员》
德加似乎不关心她们的心情，他以印象主义者观察周围风景那种冷漠客观的态度去观察她们。更关心人体形状上的明暗的相互作用，是他可以用来表现运动或空间的方式。
42.蒙克《呐喊》
蒙克以极度夸张的笔法，描绘了一个变了形的尖叫的人物形象，把人类极端的孤独和苦闷，以及那种在无垠宇宙面前的恐惧之情，表现得淋漓尽致。
43.乔尔乔内《女占卜师》
《女占卜师》是卡拉瓦乔早期风俗画的代表作。这幅作品画面单纯，布局简洁，强烈的明暗对比，使人物呼之欲出。
44.雷诺阿《伞》
雷诺阿的《伞》，描绘伞下人物风情，企图捕捉的就是芸芸众生之相。他采用典雅的蓝、灰、土黄色调，并以明亮的色彩点缀。
45.波提切利的代表作《维纳斯的诞生》
画面上人物的体态和衣纹表现十分出色，人物与自然背景也达到巧妙的统一和谐，画中维纳斯是那样无动于衷地以羞怯和幽怨的感情在对待一切，她对于生活的未来不是充满乐观的信心，而是感到惆怅和迷惑，这也是波提切利矛盾的世界观的反应。
46.毕加索成名作《亚威农少女》
《亚威农少女》是第一张被认为有立体主义倾向的作品。画家将五个人的身体先分解成了单纯的几何形体和灵活多变、层次分明的色块，然后在画布上重新进行了组合，形成了人体、空间、背景一切要表达的东西。
47.卡拉瓦乔《圣彼得受难》
这幅画正是圣彼得被钉上十字架后，十字架正要竖起来时的场景。三个行刑者都没有得到正面刻画，观者看不到他们的眼睛，而他们的身体语言似乎在说明：他们已经倾尽全力，但要抬起这样一个老人的身体，他们似乎已经不堪重负。
48.卡拉瓦乔《埋葬圣露西》
曾有两家意大利的教堂因卡拉瓦乔的《埋葬圣露西》而争执不下。
49.格兰特·伍德《美国哥德式》
《美国哥特式》与《自由女神像》，《芭比娃娃》，《野牛镍币》和《山姆大叔》称为美国文化的五大象征。
文中关于作品解析均为赏析借鉴，不具权威性,如有偏差请谅解返回搜狐，查看更多